Pubblichiamo l’intervista con Cataldo Lucchese, in arte Brodino Star, un fotografo di origini tarantine con uno sguardo attento al linguaggio della distorsione visiva e del dettaglio straniante. 

Chi è Brodino Star?

Sono tarantino e ho iniziato molto giovane a fare foto e a studiare fotografia. Ho cominciato a frequentare Belle Arti a Lecce, ma poi, poco dopo — durante la pandemia da Covid — ho deciso di mollare l’accademia e iniziare con la Bauer, a Milano. Ho fatto lì il triennio, trasferendomi tra il 2020 e il 2021 a Milano, dove ho cambiato completamente l’idea che avevo della fotografia. Quel periodo mi è servito tantissimo, perché mi ha aiutato a capire quale fosse davvero il mio sguardo, il mio approccio. Per un periodo mi sono concentrato molto sulle zine e sui libri: era quello che mi interessava davvero.
Sono riuscito a esporre a Sprint a Milano, poi a Libros Mutantes a Madrid, e anche a Torino, in diverse occasioni. Ho sempre pensato che quello fosse il mio modo di esporre un progetto: non su Instagram, né sul sito — lì non pubblico mai nulla di compiuto — ma solo zine e libri, cose che si possano toccare, sfogliare. Penso che mi diano un controllo molto più diretto su come il progetto viene fruito ed è questo il mio modo di far esperire le immagini.
Negli ultimi tempi, però, sto cambiando un po’ idea: mi sto spostando verso una fotografia più manipolata, più distruttiva. Sto iniziando a «picchiare» le immagini, per così dire, a intervenire su di esse, a rovinarle, a romperle. Quindi ora mi muovo più in quella direzione.
E poi da quando sono tornato in Puglia, in realtà, non me lo aspettavo, ma sto lavorando molto di più rispetto a quando stavo a Milano. Mi sto concentrando anche sulla fotografia commerciale. Ho la fortuna di avere molti amici musicisti che «fanno cose», quindi ho iniziato a occuparmi anche di cover art e di shooting per artisti. È una parte del mio lavoro molto divertente. A Milano non l’avevo mai affrontata seriamente, perché lì facevo più che altro l’assistente: ero un tecnico, seguivo le luci, non avevo lo stesso margine di espressione o professionalità che ho adesso.

Qual è il tuo approccio alla fotografia?

Ultimamente mi sta piacendo molto usare l’ironia. Per esempio, le foto che faccio alla mia faccia — o a quelle di altre persone — le trovo divertenti sia per me, nel realizzarle, che per gli altri, nel guardarle. Mi sto concentrando molto su quell’aspetto: non prendersi troppo sul serio. Trovare un modo ironico, ma efficace, per esprimere sensazioni pesanti, come l’oppressione, la chiusura o il senso di mancanza di via d’uscita che a volte si avverte in certi luoghi. Cerco di comunicare quella sensazione attraverso la compressione dell’immagine o quella del corpo. È qualcosa di riconoscibile, perché credo che tutti prima o poi ci sentiamo così. Usare l’ironia per parlare di questi aspetti mi sembra un modo più leggero, ma non per questo meno profondo.

C’è un evento significativo che ha segnato il tuo modo di fotografare?

Probabilmente, anzi, sicuramente, il mio trasferimento a Milano. In particolare, il corso di grafica che ho frequentato lì. C’era una professoressa, Sara Bianchi, che fa parte del collettivo Atto, che si occupa di libri autoprodotti. Ha realizzato una collana che si chiama «Vuoto», nata proprio durante la pandemia. Quando l’ho conosciuta mi ha fatto capire tantissime cose, soprattutto sui libri, sulle zine, su come si costruisce un progetto editoriale. Con lei ho prodotto la mia prima zine in risograph. È stata un’esperienza che mi ha aperto il cervello: mi ha permesso di conoscere un sacco di persone, spesso provenienti da percorsi molto diversi, e mi ha insegnato tantissimo su come si progetta e si pubblica. È stato sicuramente un momento chiave per me, uno snodo vero nel mio modo di fotografare e progettare.